Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (bautizado 6 de junio de 1599 en Sevilla; † 6 de agosto 1660 en Madrid), generalmente descrito como Diego Velázquez, fue un pintor español del Barroco, uno de los más importantes retratistas de su tiempo pertenecía. Como un pintor en la corte del rey español Philip IV que retrata muchos de los miembros de la familia real y miembros de la Corte. Velázquez tiene numerosas arte históricamente importantes pinturas hacedo. Probablemente la más famosa imagen de su mano se Meninas Las partir del año 1656.

Desde principios del siglo XIX se Velázquez fábrica modelo para muchos pintores, sus pinturas influido, entre otros, los impresionistas Edouard Manet. Pintor de la 20 ª Siglo, como Pablo Picasso, Francis Bacon y Salvador Dalí, rinde homenaje a Velázquez su respeto por sus pinturas pintorescamente recién interpretados.

Velázquez era andaluz en Sevilla, probablemente en los primeros días de junio de 1599 nació. Sólo es segura su Taufdatum, 6 De junio. Su padre, Juan Rodríguez de Silva era un abogado de ascendencia portuguesa cuyos padres casi veinte años antes del nacimiento de Velázquez Porto fueron trasladadas a Sevilla. Su madre Jerónima Velázquez Hidalgo llegó una familia de Sevilla. De acuerdo con las costumbres de su tiempo y su país recibió Velázquez, el hijo mayor, el apellido de su madre. Su enseñanza, se incorporó como Diego Velázquez y, como tal, es además en los registros de la iglesia en ocasión de su posterior matrimonio y el bautismo de sus dos hijas detenidas. En cambio, el gremio de pintores, es bajo el nombre de Diego Velázquez de Silva y han estado en la corte en Madrid, que en ocasiones el nombre de Diego de Silva y Velázquez. Hoy en día el arte a menudo le llama simplemente como Diego Velázquez. SEGUIR LEYENDO ….

Peter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania, 29 de junio de 1577 – Amberes, actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), pintor flamenco, líder de la escuela flamenca del siglo XVII, y considerado como el representante más genuino y completo del estilo barroco. Su influencia fue enorme en la pintura europea, tanto por su amplísima producción como por la difusión de sus diseños mediante grabados.

Fue la gran figura del Barroco en la Europa del Norte. Las fuentes lo recuerdan como un gran humanista, un idealista clarividente, hombre reservado y honesto que despreció la actitud arrogante de los poderosos. Tuvo más influencia que Rembrandt a pesar de que a su pintura grandilocuente le falta algo de sinceridad.

En razón de las opinancias religiosas de su padre, un abogado calvinista, pasó su primera infancia en la actual Alemania: Siegen y Colonia. En 1589, dos años después de la muerte de su padre, se trasladó con su familia a Amberes donde estudió pintura con tres artistas poco conocidos; uno de ellos, Otto Vaenius, le indujo a desarrollar el tradicional viaje a Italia, que pareció decisivo para la formación del artista; en Amberes, fue criado y educado en el catolicismo; de hecho, la religión figura de forma prominente en su obra, llegando Rubens a simbolizar por excelencia y en el más alto grado el estilo pictórico del catolicismo, siguiendo las directrices del Concilio de Trento.
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Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer) (Núremberg; 21 de mayo de 1471 – Núremberg; 6 de abril de 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.

Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad a la que estuvo íntimamente unido. Su padre, Alberto Durero el Viejo, era orfebre y fue el primer maestro de su hijo. De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden.

El concepto empírico del mundo de la gente del norte (fundamentado más en la observación que en la teoría) era el nexo común. Mientras el siglo XVI, el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas de los humanistas italianos por el norte de Europa infundieron nuevas ideas artísticas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora.

Para los artistas alemanes resultaba difícil conciliar su imaginería medieval -representada con ricas texturas, colores brillantes y figuras con gran lujo de detalle- con el énfasis que los artistas italianos ponían en la antigüedad clásica, los temas mitológicos y las figuras idealizadas. La tarea que Durero se planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano.
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El dux Leonardo Loredan, es uno de los cuadros destacados del pintor Italiano Giovanni Bellini que se conservan en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de The Doge Leonardo Loredan. Está realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo. Mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho. Fue pintado entre 1501 y 1504.

La National Gallery lo recibió en 1844.

La ópera está firmada en la parte inferior mediante un pequeño cartel o cartellino: “IOANNES BELLINVS”, en latín.

Es un retrato, género que en Venecia se desarrolló después que en la pintura toscana o flamenca; esta obra de Bellini “es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento”.[1] El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521, año de su muerte.

Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados. El pintor retrata con detalle la tela, que es seda tejida con hilo de oro; además, es un busto, al modo de las estatuas romanas.
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La Caída del Hombre, pecado original y expulsión del Paraíso es el sexto fresco que pintó Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

Este fresco es grande, pero por todo lo que hay pintado ahí, parece ser el más grande de todo el conjunto. En él hay 6 figuras. Del lado izquierdo están Adán, Eva y Satanás. Del lado derecho vemos a un ángel y nuevamente a Adán y a Eva.

El Adán y la Eva que se encuentran del lado izquierdo son totalmente distintos a los que se encuentran del lado opuesto, pero tampoco se parecen a los de los otros 2 frescos. Aquí vemos a un Adán rubio, el cual en los otros 2 frescos tuvo el pelo castaño y rojizo. Su cuerpo ha madurado y ya no es un joven. Ahora tiene una fisonomía gigantesca y musculosa. Se está estirando para alcanzar el fruto que se encuentra en el Árbol de la Sabiduría.

Junto a él y recostada se encuentra una Eva masculina, musculosa y muy poco femenina. Ella tuerce su cuerpo para alcanzar la manzana que le está dando Satanás, el cual está enroscado al tronco del árbol por su cola. Esta escena carece de alegría. Es un poco tensa pues Adán y Eva saben que están pecando, pero no se detienen en eso.

Del lado derecho vemos la consecuencia de esto. Tal y como lo relata la Biblia, en el momento que Dios se enteró de lo que habían hecho y los castigó, mandó un ángel para que los expulsara del Paraíso.
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Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, 1497? – Londres, 1543). Artista alemán; uno de los maestros del retrato en el renacimiento y diseñador de xilografías, vidrieras y piezas de joyería.

Nació en Augsburgo y desde muy pequeño estudió pintura con su padre, Hans Holbein el Viejo, reconocido artista dentro de la tradición flamenca, notable por sus retratos. Junto con su hermano mayor Ambrosius, trabajó primero en el taller de su padre y posteriormente en el del hermano de éste, Sigmund Holbein.

Hacia 1515 Holbein el Joven y su hermano se instalaron en Basilea, Suiza, entrando en el taller del pintor Hans Herbst. Allí trabajó como ilustrador de libros, realizando xilografías para las portadas de varias obras y una serie de bocetos en tinta para El elogio de la locura de Erasmo de Rotterdam.

En 1518, mientras un viaje a Italia, reveló las obras de los pintores del Renacimiento italiano Andrea Mantegna y Leonardo da Vinci. El impacto de estos y otros artistas sobre la obra de Holbein puede observarse en el modelado y la composición renacentistas de uno de sus primeros retratos, Erasmo de Rotterdam (1523, Museo del Louvre), en su famoso Cristo muerto, en La Pasión (ambos en el Kunstmuseum Basel de Basilea) y en el retablo de La Virgen del burgomaestre Meyer (Palacio del Gran Duque de Darmstadt, Alemania), todos ellos realizados entre 1519 y 1526.
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El nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli (1445 – 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm. de ancho.

Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Tradicionalmente se ha creído que esta obra, como La primavera fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, sobrino de Lorenzo el Magnífico, para decorar Villa di Castello en la campiña florentina. La idea parte de que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después.

Estudios recientes señalan otra cosa: la Primavera se pintó para la casa de Lorenzo en la ciudad de Florencia y El nacimiento de Venus fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco el comitente para el cual fue ejecutado. Actualmente se considera que debió pintarse entre 1482 y 1484, en cualquier caso, después de la estancia romana de Botticelli.

Sólo está documentado que, para el año 1499, ambas estaban instaladas en Castello, así pues propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.
Las fuentes literarias de esta obra son Las metamorfosis de Ovidio y Angelo Poliziano. Además, existía en la Florencia de la época el recuerdo de una pintura legendaria del griego Apeles, titulada precisamente Nacimiento de Venus y que Poliziano describe en una poesía:
Por los céfiros lascivos empujada / veríais la diosa que del mar salía / exprimiendo cabellera remojada / entretanto otra mano el pecho la cubría.
Giostra, 101
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Venus de Urbino, además llamada La Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por el Tiziano.
En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis, desde 1736 se encuentra en la Galleria degli Uffizi (Florencia).

La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere así pues hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semidistendida sobre un lujoso lecho en el interior de un cassone o palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de tal ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un arcón, tal arcón parece evocar al mito de la caja de Pandora.

Entretanto que a los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la presencia de tal perro es signo de que la representada no es una diosa, más bien una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más, el perro típica alegoría de la fidelidad aquí aparece, sugerentemente, dormido.
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Otra planta de la misma época se ve en Khajuraho (templos de Visvanatha, de Laksmana, etc.): sobre una terraza rectangular común están dispuestos al tresbolillo (pancayatana) el santuario en el centro y cuatro capillas en los ángulos. Dicho tipo traduce arquitectónicamente el tema tradicional de la residencia divina: el monte Meru, eje del Mundo, dotado de cinco cimas; tema que fue transmitido a los países del Sureste asiático donde dio lugar a grandiosas construcciones, entre las cuales la más notable es sin duda el templo de Angkor Vat, en el país Khmer (Camboya, primera mitad del siglo XII). SEGUIR LEYENDO ….

Arquitectura y arte Neoclásico

El arte neoclásico llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clásico, el interés surgido por la arqueología, las excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo hacia las formas del barroco.

Características de la arquitectura neoclásica

* Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.
* Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas.
* Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
* Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
* Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico, frontones, bóvedas, cúpulas, etc.
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