Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer) (Núremberg; 21 de mayo de 1471 – Núremberg; 6 de abril de 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte, que ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos.

Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg, ciudad a la que estuvo íntimamente unido. Su padre, Alberto Durero el Viejo, era orfebre y fue el primer maestro de su hijo. De su primera formación, el joven Durero heredó el legado del arte alemán del siglo XV, en el que estaba muy presente la pintura flamenca del gótico tardío. Los artistas alemanes no tenían dificultad en adaptar su propia tradición gótica a la de artistas flamencos como Robert Campin, Jan van Eyck y, sobre todo, Rogier van der Weyden.

El concepto empírico del mundo de la gente del norte (fundamentado más en la observación que en la teoría) era el nexo común. Mientras el siglo XVI, el fortalecimiento de lazos con Italia a través del comercio y la difusión de las ideas de los humanistas italianos por el norte de Europa infundieron nuevas ideas artísticas al mundo del arte alemán, de tradición más conservadora.

Para los artistas alemanes resultaba difícil conciliar su imaginería medieval -representada con ricas texturas, colores brillantes y figuras con gran lujo de detalle- con el énfasis que los artistas italianos ponían en la antigüedad clásica, los temas mitológicos y las figuras idealizadas. La tarea que Durero se planteó fue la de proveer a sus compatriotas de un modelo con el que pudieran combinar el interés empírico por los detalles naturalistas con los aspectos más teóricos del arte italiano.
SEGUIR LEYENDO ….

El dux Leonardo Loredan, es uno de los cuadros destacados del pintor Italiano Giovanni Bellini que se conservan en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de The Doge Leonardo Loredan. Está realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo. Mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho. Fue pintado entre 1501 y 1504.

La National Gallery lo recibió en 1844.

La ópera está firmada en la parte inferior mediante un pequeño cartel o cartellino: “IOANNES BELLINVS”, en latín.

Es un retrato, género que en Venecia se desarrolló después que en la pintura toscana o flamenca; esta obra de Bellini “es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento”.[1] El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521, año de su muerte.

Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados. El pintor retrata con detalle la tela, que es seda tejida con hilo de oro; además, es un busto, al modo de las estatuas romanas.
SEGUIR LEYENDO ….

La Caída del Hombre, pecado original y expulsión del Paraíso es el sexto fresco que pintó Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

Este fresco es grande, pero por todo lo que hay pintado ahí, parece ser el más grande de todo el conjunto. En él hay 6 figuras. Del lado izquierdo están Adán, Eva y Satanás. Del lado derecho vemos a un ángel y nuevamente a Adán y a Eva.

El Adán y la Eva que se encuentran del lado izquierdo son totalmente distintos a los que se encuentran del lado opuesto, pero tampoco se parecen a los de los otros 2 frescos. Aquí vemos a un Adán rubio, el cual en los otros 2 frescos tuvo el pelo castaño y rojizo. Su cuerpo ha madurado y ya no es un joven. Ahora tiene una fisonomía gigantesca y musculosa. Se está estirando para alcanzar el fruto que se encuentra en el Árbol de la Sabiduría.

Junto a él y recostada se encuentra una Eva masculina, musculosa y muy poco femenina. Ella tuerce su cuerpo para alcanzar la manzana que le está dando Satanás, el cual está enroscado al tronco del árbol por su cola. Esta escena carece de alegría. Es un poco tensa pues Adán y Eva saben que están pecando, pero no se detienen en eso.

Del lado derecho vemos la consecuencia de esto. Tal y como lo relata la Biblia, en el momento que Dios se enteró de lo que habían hecho y los castigó, mandó un ángel para que los expulsara del Paraíso.
SEGUIR LEYENDO ….

Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, 1497? – Londres, 1543). Artista alemán; uno de los maestros del retrato en el renacimiento y diseñador de xilografías, vidrieras y piezas de joyería.

Nació en Augsburgo y desde muy pequeño estudió pintura con su padre, Hans Holbein el Viejo, reconocido artista dentro de la tradición flamenca, notable por sus retratos. Junto con su hermano mayor Ambrosius, trabajó primero en el taller de su padre y posteriormente en el del hermano de éste, Sigmund Holbein.

Hacia 1515 Holbein el Joven y su hermano se instalaron en Basilea, Suiza, entrando en el taller del pintor Hans Herbst. Allí trabajó como ilustrador de libros, realizando xilografías para las portadas de varias obras y una serie de bocetos en tinta para El elogio de la locura de Erasmo de Rotterdam.

En 1518, mientras un viaje a Italia, reveló las obras de los pintores del Renacimiento italiano Andrea Mantegna y Leonardo da Vinci. El impacto de estos y otros artistas sobre la obra de Holbein puede observarse en el modelado y la composición renacentistas de uno de sus primeros retratos, Erasmo de Rotterdam (1523, Museo del Louvre), en su famoso Cristo muerto, en La Pasión (ambos en el Kunstmuseum Basel de Basilea) y en el retablo de La Virgen del burgomaestre Meyer (Palacio del Gran Duque de Darmstadt, Alemania), todos ellos realizados entre 1519 y 1526.
SEGUIR LEYENDO ….

El nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli (1445 – 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm. de ancho.

Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Tradicionalmente se ha creído que esta obra, como La primavera fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, sobrino de Lorenzo el Magnífico, para decorar Villa di Castello en la campiña florentina. La idea parte de que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después.

Estudios recientes señalan otra cosa: la Primavera se pintó para la casa de Lorenzo en la ciudad de Florencia y El nacimiento de Venus fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco el comitente para el cual fue ejecutado. Actualmente se considera que debió pintarse entre 1482 y 1484, en cualquier caso, después de la estancia romana de Botticelli.

Sólo está documentado que, para el año 1499, ambas estaban instaladas en Castello, así pues propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.
Las fuentes literarias de esta obra son Las metamorfosis de Ovidio y Angelo Poliziano. Además, existía en la Florencia de la época el recuerdo de una pintura legendaria del griego Apeles, titulada precisamente Nacimiento de Venus y que Poliziano describe en una poesía:
Por los céfiros lascivos empujada / veríais la diosa que del mar salía / exprimiendo cabellera remojada / entretanto otra mano el pecho la cubría.
Giostra, 101
SEGUIR LEYENDO ….

Venus de Urbino, además llamada La Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por el Tiziano.
En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis, desde 1736 se encuentra en la Galleria degli Uffizi (Florencia).

La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere así pues hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semidistendida sobre un lujoso lecho en el interior de un cassone o palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de tal ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un arcón, tal arcón parece evocar al mito de la caja de Pandora.

Entretanto que a los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la presencia de tal perro es signo de que la representada no es una diosa, más bien una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más, el perro típica alegoría de la fidelidad aquí aparece, sugerentemente, dormido.
SEGUIR LEYENDO ….

Paolo Caliari o Paolo Cagliari (Verona, 1528 – Venecia, 1588), conocido como el Veronés, fue un pintor italiano, es el gran decorador del manierismo veneciano.

Hijo de un picapedrero, nació en Verona, donde se formó como pintor y ciudad de la que toma su apelativo. En 1556 se estableció definitivamente en Venecia, donde desarrolló su arte, siendo una de las figuras destacadas de la escuela veneciana. Desde 1541 fue discípulo y ayudante del veronés Antonio Badile, con cuya hija Elena contrajo matrimonio.

En 1555 o 1556 recibe en Venecia su primer encargo representativo: la decoración de la sacristía y los techos de la iglesia de San Sebastián. Allí hace un ciclo de pinturas con perspectiva “sotto in sù”.

En 1560 viaja a Roma para estudiar los techos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, cuya influencia se deja notar en las obras posteriores, como los frescos de la Villa Barbaro, en Maser (principios de los años 1560. Esta colaboración entre Veronés y palladio influyó en las arquitecturas que se representan en sus cuadros posteriores.

A principios de los años 1570, la familia Cuccina le encargó una serie de cuadros de gran formato sobre tema bíblico: La Virgen y la familia Cuccina, Adoración de los Reyes, Bodas de Caná y Camino del Calvario, en los que Veronés representa un estilo renovado, profundizando en el color e incrementándose el claroscuro. Los cuatro se encuentran en la Galería de Dresde y no ha de confundirse estas Bodas de Caná con la versión anterior que del mismo tema se guarda en el Museo del Louvre.

En 1573 fue llevado ante el tribunal de la Inquisición, debido a que en sus cuadros los temas religiosos se representaban de un modo profano.
SEGUIR LEYENDO ….

El cuadro La Gioconda, conocido además como ”La Mona Lisa”, La Monna Lisa o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre, París.

Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
SEGUIR LEYENDO ….

El jardín de las delicias es la obra cumbre del pintor holandés El Bosco. Se trata de un tríptico pintado al óleo de 206 x 386 cm, compuesto por una tabla central y dos laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella.

Obra de gran simbolismo (que aún no ha sido completamente descifrado), como El carro de heno y el Juicio Final, el Jardín de las delicias se sustrae a cualquier clasificación iconográfica tradicional. Se considera, no obstante, que la obra obedece a una intención moralizante que habría sido comprensible para la gente de la época; en este sentido, el propio rey Felipe II de España, alguien poco sospechoso de herejía, llegó a recibir el cuadro como consecuencia de su interés por el mismo.

Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid.

>> Sobre el Cuadro

Artista:

Jerónimo Bosco

1450 – 1516

Obra:

El jardín de las delicias

Tamaño original:

220 x 389 cm

Estilo:

Renacimiento

Tecnología:

Óleo sobre madera

El Apolo de Belvedere, además llamado el Apolo pitio, es una famosa escultura de mármol de la Antigüedad Clásica. Fue redescubierta a finales del siglo XV, mientras el Renacimiento. Desde mediados del siglo XVIII, fue considerada la mejor escultura antigua por los neoclasicistas y mientras siglos se consideró el epítome de los ideales de perfección estética de la cultura europea y occidental.

La escultura representa al dios griego Apolo que acaba de vencer a la serpiente Pitón, un monstruo que recientemente había causado estragos en la costa de Delfos. La flecha acaba de salir de su arco, y aún perdura el esfuerzo impreso en su musculatura. Su cabello, ligeramente rizado, flota en tirabuzones sobre su cuello y se alza graciosamente en lo alto de su cabeza, que está rodeado con el strophium, una banda simbólica de reyes y dioses. Su aljaba cuelga del hombro izquierdo. La ropa (clámide) está sujeta sobre el hombro derecho, vuelta sólo sobre su brazo izquierdo y echada hacia atrás.

La parte inferior del brazo derecho faltaba en el momento que fue descubierta y restaurada por Giovanne Angelo de Mentorsoli, un escultor y alumno de Miguel Ángel.

El Apolo muestra las características distintivas del arte helenístico, en particular las de Praxíteles, sobre todo en el contraste entre el modelado mórbido del cuerpo y los pliegues del manto que forma fuertes claroscuros, como notó y alabó el teórico del neoclasicismo, Winckelmann.

La estatua mide de alto 224 centímetros, y está situada en el Cortile Ottagono (o del Belvedere) de los Museos Vaticanos.

El mármol es o bien helenístico o una copia romana a partir de un original de bronce, hoy perdido, que se desarrolló entre el 350—325 a. C. por el escultor griego Leocares.