Giambattista (o Giovanni Battista) Tiepolo o Tiépolo (Venecia, 5 de marzo de 1696 – Madrid, 27 de marzo de 1770), pintor y grabador italiano, considerado el último gran pintor del Barroco. Es una de las figuras más importantes del rococó italiano.

Era hijo de un corredor de barcos. Su maestro fue Gregorio Lazzarini, pero aprendió aún más de la obra de los maestros que le precedieron: Tiziano, Tintoretto y, sobre todo, Veronés. Es el más grande decorador del siglo.

En 1719 se casó con una hermana de Guardi, de la que tuvo nueve hijos, dos de los cuales fueron además pintores, en particular Giovanni Domenico Tiepolo, que inició a colaborar con él en la década de 1740. De enorme éxito, recibió encargos de Venecia, Milán, Bérgamo y Vicenza. Fue asistido en Venecia por un experto en perspectiva, Gerolamo Mengozzi-Colonna. El éxito de estos frescos desarrolló que se le contratara en otros lugares de Europa, como Wurzburgo y, al final de su carrera, Madrid.

Partió a Madrid (donde fallecería), llamado por el rey Carlos III, a principios del año 1762. Su tarea principal fue decorar al fresco varios techos del Palacio Real de Madrid. Acudió con sus hijos Giandomenico y Lorenzo, y le acompañó su novia, mucho más joven que él y frecuente modelo de sus figuras femeninas.

Sus principales trabajos en Madrid fueron los frescos del Palacio Real (a destacar los del Salón del Trono) y una serie de cuadros para el altar de la iglesia de San Pascual de Aranjuez. Cuando falleció, su estilo empezaba a ser cuestionado y este altar fue desmontado y mutilado, para ser sustituido por otras obras al gusto neoclásico que imponía Mengs.

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Antonio Allegri da Correggio (Correggio, cerca de Parma, agosto de 1489 – ibídem, 5 de marzo de 1534) fue un pintor italiano del Renacimiento, dentro de la escuela de Parma que se desarrolló en la corte de los Farnesio mientras el apogeo del Manierismo en Italia.

Los datos conocidos de su vida son escasos. Nació en Correggio. Empezó a pintar allí y en Mantua, donde trabajaba Andrea Mantegna, que fue su principal influencia de juventud. Fue influido además por Lorenzo Costa y Leonardo da Vinci.

Estuvo en Roma entre 1517 y 1520, época en la que recibió un clasicismo naturalista al contacto con Rafael y Miguel Ángel.

Hacia 1530 estuvo al servicio de Federico II Gonzaga, duque de Mantua. Pintó una célebre serie de cuatro lienzos de mitologías para el Palazzo Tè.

Es comúnmente considerado como pionero del uso de la luz. Consigue sensación de ingravidez. De gran sensibilidad y delicadeza, pinta a niños, adolescentes y figuras femeninas suaves y de blanda sensualidad.

Comienza como un renacentista clásico, posteriormente recibe la influencia manierista y acaba, por su dinamismo y profundidad espacial, anticipando el barroco.

En su madurez, su estilo es noble y equilibrado, con sombras transparentes y diseño fluido.

Sus trabajos son descritos en las Vidas de Giorgio Vasari.

En sus primeras obras sigue el estilo de Mantegna:

* Evangelistas (1507), iglesia de S. Andrés de Mantua.
* Los desposorios místicos de Santa Catalina (1509), Washington.

Sus cuadros posteriores se suavizan. Utiliza ambientaciones nocturnas y manieristas.

* Retablo de san Francisco o Madonna de san Francisco (1514–1415), Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde.
* La Virgen y el Niño con el pequeño san Juan (h. 1516), Museo del Prado, Madrid.
* Madonna llamada «Campori» (1517–1518), Módena, Galería Estense.
* Virgen con san Juan niño (1517), Milán.
* La Adoración de los Magos (1516–1518), Pinacoteca de Brera, en Milán.
* Noli me tangere (h. 1518), Museo del Prado, Madrid.

Ío y Zeus, hacia 1531–1532, óleo sobre lienzo, 163,5 x 74 cm, Museo de Historia del Arte de Viena
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Lucas Cranach el Viejo (en alemán, Lucas Cranach der Ältere) (Kronach, 1472 – Weimar, 16 de octubre de 1553) fue un pintor germánico y diseñador de grabados en xilografía. El apellido real de este pintor hubo de ser Sünder (escrito además Sunder, Sonder y Süündä). Es padre del además pintor Lucas Cranach el Joven (1515-1586).

Un desnudo femenino que representa a una Venus que lleva una gargantilla y se cubre sólo con una gasa transparente que lleva en una mano, fue rechazado por la compañía que administra el Metro de Londres, puesto que podría herir y ofender la sensibilidad de los usuarios del metro, especialmente los de cultura no europea poco acostumbrados a representaciones de desnudo. La pintura iba a ser utilizada para comunicar la próxima exposición dedicada al pintor renacentista alemán en la Royal Academy. La exposición se celebró del 8 de marzo al 8 de junio de 2008

>> Sobre el Cuadro:
Artista:

Lucas d. Ä. Cranach

1472 – 1553

Obra:

Venus

Año:

1532

Tamaño original:

37 x 24 cm

Tecnología:

Óleo sobre madera

Asunto:

Mitología

Jan van Eyck (Maaseik, c. 1390 – Brujas, 1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas y, junto a Robert Campin, en Tournai. Fue fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia el Renacimiento Nórdico de Europa. En tal sentido Van Eyck es el más célebre del conjunto de pintores llamado los Primitivos Flamencos.

Van Eyck tiene como antecedentes que le influyen a los hermanos Limbourg —extraordinarios miniaturistas—, al escultor Claus Sluter —la forma de representar los pliegues de las telas que Sluter hace en piedra es prácticamente la misma forma con que van Eyck pinta los pliegues de las telas—, y el poco conocido pero valioso pintor Melchior Broederlam.

Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional (véase Perspectiva).

En lo atinente a la búsqueda de los efectos tridimensionales Van Eyck no recurre tanto a la perspectiva con un punto de fuga, más bien que logra dar cierta impresión de tridimensionalidad mediante la técnica de las «veladuras» o tenues capas de óleo aplicadas unas sobre otras y todas sobre un soporte que consta de una tabla de madera (generalmente de haya) pulida y pintada de blanco, con lo que se logra una reflexión de la luz con el consecuente brillo de la pintura y una sugestión de profundidad. Van Eyck se atrevió con estos métodos a intentar lo que luego se llamaría trompe d’œil o trampantojo.

Muchas veces se ha atribuido a Van Eyck la invención de la pintura al óleo, si bien esta técnica ya era bastante conocida en Flandes desde el siglo XIV, como lo documenta el llamado Manuscrito de Estrasburgo. La invención que realiza Van Eyck es la de la fórmula del óleo con secado rápido, técnica que permite entre otras cosas la feliz composición ya mencionada mediante veladuras.

Es probable que Van Eyck fuera, con sus hermanos, oriundo de Maastricht, provincia de Limburgo, a orillas del río Mosa. En 1422 trabajó en La Haya para Juan de Baviera, príncipe-obispo de Lieja. En 1425 Felipe III el Bueno, duque de Borgoña, le nombró pintor de la corte, cargo que conservó hasta su muerte. La relación que mantenía con el duque era tan buena que éste le encargó algunas misiones diplomáticas secretas, principalmente en territorios de las actuales España, Italia y Portugal. En 1428 formó parte de una delegación que se dirigía a Lisboa para gestionar la boda entre el duque de Borgoña y la infanta Isabel de Portugal. Jan van Eyck desarrolló dos retratos de la mencionada infanta. La visita a estos países le aprobó reconocer nuevas luminosidades, cielos y atmósferas diáfanas e incluso notar nuevas vegetaciones (en el Políptico de Gante aparecen, como parte del paisaje de la paradisíaca Nueva Jerusalén, figuradas con precisión casi de naturalista especies mediterráneas). El tratamiento que Van Eyck da a la luz, merced a su dominio de la técnica al óleo, hace bastante correcta la próximo opinión del crítico Stirling: «Van Eyck redescubre la verdad entrevista en la pintura helenística, pero luego olvidada, según la cual las sombras se encuentran incluso en las claridades, y la luz en todas partes, incluso en las sombras».
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Hans von Aachen o Johann von Aachen (Colonia, 1552 – Praga, 4 de marzo de 1615) fue un pintor alemán.

Desde su infancia exhibió un gran talento por la pintura. Trabajó como aprendiz para Jerrigh, pintor flamenco que tenía su estudio en Colonia. Llegó a ser un notable retratista, pintando además temas religiosos y mitológicos, algunos de los cuales presentan escenas descaradamente eróticas. Algunas de sus obras pueden verse en el Museo Kunsthistoriches de Viena.

Hacia 1574 visitó Venecia y Roma quedando profundamente impresionado por los trabajos de Tintoretto. A su vuelta, introdujo el manierismo en Alemania. En 1592 le nombraron pintor de cámara del emperador Rodolfo II.

Del Cuadro:
Artista:

Hans von Aachen (Achen)

1552 – 1615
Obra:

Retrato del pintor Joseph Heintz
Año:

1585
Tamaño original:

57 x 44 cm
Estilo:

Manierismo
Tecnología:

Óleo sobre lienzo
Asunto:

Retratos

La exposición retrospectiva del pintor catalán, clausurada anoche, fue presentada en la Galería Nacional de Artes de Tirana y convocó una selección de 36 cuadros realizados desde los años sesenta hasta la actualidad.

En la ceremonia de clausura interveniron, entre otros, el embajador español Manuel Montobbio, el comisario de la muestra, el historiador de arte José Francisco Yvars, y el director de la Galería, Rubens Shima.

‘Vinieron muchos visitantes a verla, tanto de forma individual como escolares organizados en grupos’, comentó a Efe el director de la Galería, Rubens Shima.

Destacó el hecho de que Casamada ha sido el primer pintor español que ha expuesto sus cuadros en Albania, uno de los países más pobres de Europa, mientras un largo período de dos meses, lo que batió además un récord para el propio museo. SEGUIR LEYENDO ….

Creado por Niccolò dell’Abbate o Nicolò dell’Abate, (Módena; 1509 o 1512 – Fontainebleau; 1571), pintor manierista y decorador italiano, formado en la Escuela de Emilia y que formó parte de la denominada Escuela de Fontainebleau que introdujo el Renacimiento italiano en Francia.

Artista:

Niccolò dell´ Abbate

1512 – 1571

Obra:

El robo de Proserpina

Tamaño original:

196 x 215 cm

Estilo:

Manierismo

Tecnología:

Óleo sobre lienzo

RESUMEN: En 1577, la Corona Española demandó la elaboración de mapas o pinturas con la finalidad de recibir un mejor conocimiento de los territorios bajo su dominio en las Indias. Dos años después, el alcalde mayor de Metztitlán (estado de Hidalgo) desarrolló la pintura analizada en estas páginas y escribió la correspondiente descripción geográfica. En este artículo hacemos el análisis del mapa tomando en cuenta los elementos representados por el autor pero además señalando las omisiones respecto del territorio y del paisaje que se pretendió describir. De ahí concluimos que hubo cierta manipulación, probablemente involuntaria, en donde un territorio eminentemente indígena es visto sólo mediante referentes occidentales desvirtuando luego parte importante de su contenido. Para comprobarlo hicimos recorridos de campo y analizamos cartografía contemporánea del área estudiada.

PALABRAS CLAVE: Nueva España, Metztitlán, altepetl, pueblos de indios, mapas del siglo XVI, Relaciones Geográficas.

En 1577, la Corona Española elaboró un cuestionario titulado Instrucción y memoria de las relaciones que se han de desarrollar para la descripción de las Indias con el fin de conocer mejor los territorios que gobernaba en América. Se trata de 50 preguntas o temas que buscaban esclarecer aspectos de la población (demográficos, lingüísticos, jurisdiccionales, baratos, etc.) y del entorno físico de sus asentamientos (relieve, exposición al viento, fuentes de agua, vegetación, agricultura, etc.). Los gobernadores, corregidores, alcaldes mayores y otros funcionarios españoles contestarían ellos mismos o promoverían las encuestas necesarias entre los habitantes para mandar sus resultados a España. 1 El conjunto de los materiales producidos se conoce genéricamente como las Relaciones Geográficas del siglo XVI y constituye una de las fuentes más importantes de la época para conocer las características de los territorios novohispanos. Junto a las respuestas escritas, debía de figurar una pintura del territorio referido, esto es, una representación o mapa del área en cuestión. En su mayoría, estos mapas fueron producidos según la óptica indígena en esa fase de transición.2

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La haceción de Adán es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre (según la tradición bíblica). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.

Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada bata color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido haceda aún, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en identica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada.

La composición es obviamente artística y no literal, debido a que Adán es capaz de alcanzar el dedo de Dios, incluso antes de que se le haya dado “”vida”. De la misma manera, Eva es representada antes de su propia haceción. La inclusión de Eva ha llevado a algunas personas a creer que la figura femenina podría representar a Lilith la mítica primera esposa de Adán, aunque, según la Biblia, Lillith además fue haceda después de Adán.
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El Guernica, una de las obras más importantes del arte contemporáneo, ha sido objeto de muchos análisis. Vamos aquí a presentar dos de ellos, en primer lugar el correspondiente a la interpretación “histórico-política-antifascista”, que ha sido el comúnmente aceptado, y del que Juan Larrea (1947) es su principal y primer exponente. Esta teoría es avalada por el hecho de que Picasso puso como condición para que el cuadro fuera devuelto al Patrimonio Español el que antes hubiera un cambio democrático en España.

La segunda visión es la de Santiago Sebastián (Traza y Baza, 1981), que basándose en comparaciones iconográficas concluyó que Picasso actuó con gran libertad al realizar este cuadro. No se refirió a un hecho bélico concreto, ni siquiera partidista, sino que es una obra de significado universal.

En la interpretación histórico-política las figuras del Guernica podrían interpretarse de la siguiente manera. La mujer quemándose representaría el dolor de la población civil indefensa, que sufre los efectos de las bombas incendiarias. La mujer que escapa corriendo de las bombas representaría la población civil, impotente e indefensa, que sólo puede huir. La mujer que asoma la cabeza por la ventana representa la humanidad, impotente ante todo lo que está contemplando, y que sólo puede gritar.

El quinqué y la luz que emite representan la necesidad de informar a todo el mundo de lo que está ocurriendo. Al lado de esta luz existe otra, que parece una lámpara eléctrica encendida, o un sol con forma de ojo, cuya pupila sería una bombilla. Sea un sol o una lámpara, no pueden o no quieren iluminar la escena. Podrían representar el establishment, es decir, La Sociedad de Naciones, la Política de No Intervención, los gobiernos, etc., que lo observan todo, pero distorsionan la verdad de lo que está pasando. El centro del cuadro está ocupado por un caballo herido de muerte, que representaría las víctimas inocentes de una guerra. A la izquierda vemos un toro, con el cuerpo en tensión, observando en todas direcciones, vigilante (consiguiendo esto a través de la técnica del cubismo) y amenazante. Es por eso que se pensó que representaba al fascismo. Bajo el toro aparece una madre que sostiene en brazos a su hijo muerto, representando no el dolor físico, sino el anímico que se tiene al ver sufrir a los seres queridos. Entre las cabezas del toro y del caballo se encuentra una paloma, símbolo de la paz. Aparece en un espacio reducido, en el que apenas puede moverse. Además tiene un ala caída, el pico abierto, como gritando. Representa la libertad y la paz oprimidas. El único hombre que aparece es un guerrero que yace muerto delante del cuadro. El guerrero aparece con el brazo cortado y recién decapitado, por lo que está exhalando su último grito de dolor. A diferencia del niño, que muere siendo una víctima pasiva, el guerrero muere en acto de combate y representaría a los soldados que mueren en lucha por conseguir sus ideales. El brazo aún sostiene una espada rota, en donde también hay una flor, símbolo de esperanza.

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