El dux Leonardo Loredan, es uno de los cuadros destacados del pintor Italiano Giovanni Bellini que se conservan en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de The Doge Leonardo Loredan. Está realizado al óleo y temple sobre tabla de álamo. Mide 62 cm de alto y 45 cm de ancho. Fue pintado entre 1501 y 1504.

La National Gallery lo recibió en 1844.

La ópera está firmada en la parte inferior mediante un pequeño cartel o cartellino: “IOANNES BELLINVS”, en latín.

Es un retrato, género que en Venecia se desarrolló después que en la pintura toscana o flamenca; esta obra de Bellini “es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento”.[1] El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521, año de su muerte.

Se trata de un retrato oficial, por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados. El pintor retrata con detalle la tela, que es seda tejida con hilo de oro; además, es un busto, al modo de las estatuas romanas.
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La Arquitectura en la Antigua Grecia es aquella que se desarrolló en la Grecia de la antigüedad, desde el primer milenio antes de Cristo hasta el siglo II a. C. Reviste particular importancia para la historia de toda la arquitectura occidental.

La arquitectura griega sienta las bases de lo que será la arquitectura del mundo occidental mientras siglos. La codificación de la edad arcaica en tres órdenes estéticos conforme a los cuales construyeron los antiguos griegos (dórico, jónico y corintio) se convertiría con el helenismo en un lenguaje compartido por todo el mundo mediterráneo.

Los materiales frecuentemente empleados en la arquitectura griega fueron la madera, para soportes y techos; ladrillo sin cocer para las paredes, especialmente de casas; la piedra caliza y el mármol, para columnas, muros y porciones elevadas de los templos y edificios públicos; la terracota, para ornamentos; y metales, especialmente el bronce, para detalles decorativos. Los arquitectos de la época arcaica y clásica utilizaron estos materiales constructivos para edificios: religiosos, cívicos, domésticos, funerarios y rehacetivos. El adobe se reservaba para las construcciones más pobres y sin importancia.

En cuanto a las tejas, ha de recordarse que los restos más antiguos de la Grecia arcaica están documentadas en un área muy limitada en torno a Corinto (Grecia), donde las tejas fueron sustituyendo a los techos de paja en los dos templos, de Apolo y de Poseidón entre los años 700 y 650 a. C. Se expandió rápidamente, mientras los cincuenta años próximos, usándose en un elevado número de lugares alrededor del Mediterráneo oriental, incluyendo la Grecia continental, el oeste de Asia Menor, y el sur y el centro de Italia.  Las primeras tejas tuvieron forma de S, y eran bastante abultadas, con un peso de unos 30 kilos cada una. Resultaban más caras y costosas de generar que un tejado de paja, por lo que su introducción se explica por la resistencia al fuego, que daba la necesaria protección a los costosos templos.
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Súbditos o tributarios en algún tiempo los medos de los reyes de Nínive, libres después con Ciáxares y dueños luego de inmensas regiones con los persas en tiempo de los monarcas de la dinastía aqueménida, formada por Ciro, Cambises, Darío, Jerjes (el Asuero de la Biblia) y otros, se comprende que el arte medo-persa posea grandes analogías con el arte asirio, el egipcio y el griego, propio de las naciones sometidas, como así se manifiesta en las ruinas de las antiguas ciudades medo-persas hoy exploradas. El florecimiento y esplendor de este arte duró poco más de dos siglos, desde Ciro II hasta Darío III Codomano (330 a. C.), último rey de la dinastía aqueménida, vencido por Alejandro.

El arte medo primitivo debió ser parecido al babilónico en las construcciones de las murallas. Pero según indicios y relaciones antiguas, parece ser que los palacios regios se construían con madera revestida de metal precioso, resultando unos edificios poco sólidos, elegantes y ricos, formados por columnas y arquitrabes. El arte de esta primera época se estudia en las ruinas de Ecbatana, así como el posterior o persa, influido por el egipcio, asirio y griego, se ha manifestado en exploraciones realizadas en las antiguas capitales:

* Pasargadas, en la que se han descubierto el palacio y la tumba de Ciro.
* Persépolis, en la que se conocen los palacios de Darío y Jerjes con las tumbas reales de Nakshi-Rustem (cerca de Persépolis) excavadas y talladas en la roca.
* Susa, en la que se ha descubierto el palacio de Artajerjes II y varios objetos persas.
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Los descubrimientos realizados en el Sur de Grecia en Asia Menor y en las islas del mar Egeo en el momento que el intrépido Schliemann inició explorando las ruinas de Troya seguido luego por Evans en la isla de Creta y por otros investigadores, han revelado al mundo una civilización importantísima que floreció en dichas regiones allá por los tiempos que se decían heroicos o legendarios de Grecia y que sólo en parte y por ficciones poéticas se conocía por los famosos poemas de Homero y Hesíodo. Los tratadistas dan a dicha civilización el nombre de egea identificándola algunos con la hetea o haciéndola derivar de la misma.

Es dividida, por lo general, en dos épocas o períodos:

1. el cretense o minoico (de Minos, rey de Creta) que principalmente abarca del siglo XX a. C. al XV a. C.
2. el micenaico o miceno (de Micenas, principal ciudad de la Argólida que sucedió a Creta en la hegemonía) extendiéndose desde el siglo XV a. C. al XII a. C.

Cada una de estas épocas o períodos se divide en otros los cuales tomados en conjunto forman según muchos arqueólogos la edad protohistórica de Grecia y, en todo caso, deben considerarse como propios de una civilización independiente y oponible a las de Egipto y Asiria, de las cuales tomó algún elemento sin constituir jamás una mera copia de ellas.
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La Caída del Hombre, pecado original y expulsión del Paraíso es el sexto fresco que pintó Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

Este fresco es grande, pero por todo lo que hay pintado ahí, parece ser el más grande de todo el conjunto. En él hay 6 figuras. Del lado izquierdo están Adán, Eva y Satanás. Del lado derecho vemos a un ángel y nuevamente a Adán y a Eva.

El Adán y la Eva que se encuentran del lado izquierdo son totalmente distintos a los que se encuentran del lado opuesto, pero tampoco se parecen a los de los otros 2 frescos. Aquí vemos a un Adán rubio, el cual en los otros 2 frescos tuvo el pelo castaño y rojizo. Su cuerpo ha madurado y ya no es un joven. Ahora tiene una fisonomía gigantesca y musculosa. Se está estirando para alcanzar el fruto que se encuentra en el Árbol de la Sabiduría.

Junto a él y recostada se encuentra una Eva masculina, musculosa y muy poco femenina. Ella tuerce su cuerpo para alcanzar la manzana que le está dando Satanás, el cual está enroscado al tronco del árbol por su cola. Esta escena carece de alegría. Es un poco tensa pues Adán y Eva saben que están pecando, pero no se detienen en eso.

Del lado derecho vemos la consecuencia de esto. Tal y como lo relata la Biblia, en el momento que Dios se enteró de lo que habían hecho y los castigó, mandó un ángel para que los expulsara del Paraíso.
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Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, 1497? – Londres, 1543). Artista alemán; uno de los maestros del retrato en el renacimiento y diseñador de xilografías, vidrieras y piezas de joyería.

Nació en Augsburgo y desde muy pequeño estudió pintura con su padre, Hans Holbein el Viejo, reconocido artista dentro de la tradición flamenca, notable por sus retratos. Junto con su hermano mayor Ambrosius, trabajó primero en el taller de su padre y posteriormente en el del hermano de éste, Sigmund Holbein.

Hacia 1515 Holbein el Joven y su hermano se instalaron en Basilea, Suiza, entrando en el taller del pintor Hans Herbst. Allí trabajó como ilustrador de libros, realizando xilografías para las portadas de varias obras y una serie de bocetos en tinta para El elogio de la locura de Erasmo de Rotterdam.

En 1518, mientras un viaje a Italia, reveló las obras de los pintores del Renacimiento italiano Andrea Mantegna y Leonardo da Vinci. El impacto de estos y otros artistas sobre la obra de Holbein puede observarse en el modelado y la composición renacentistas de uno de sus primeros retratos, Erasmo de Rotterdam (1523, Museo del Louvre), en su famoso Cristo muerto, en La Pasión (ambos en el Kunstmuseum Basel de Basilea) y en el retablo de La Virgen del burgomaestre Meyer (Palacio del Gran Duque de Darmstadt, Alemania), todos ellos realizados entre 1519 y 1526.
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El nacimiento de Venus es una pintura de Sandro Botticelli (1445 – 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm. de ancho.

Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
Tradicionalmente se ha creído que esta obra, como La primavera fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médicis, sobrino de Lorenzo el Magnífico, para decorar Villa di Castello en la campiña florentina. La idea parte de que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después.

Estudios recientes señalan otra cosa: la Primavera se pintó para la casa de Lorenzo en la ciudad de Florencia y El nacimiento de Venus fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco el comitente para el cual fue ejecutado. Actualmente se considera que debió pintarse entre 1482 y 1484, en cualquier caso, después de la estancia romana de Botticelli.

Sólo está documentado que, para el año 1499, ambas estaban instaladas en Castello, así pues propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.
Las fuentes literarias de esta obra son Las metamorfosis de Ovidio y Angelo Poliziano. Además, existía en la Florencia de la época el recuerdo de una pintura legendaria del griego Apeles, titulada precisamente Nacimiento de Venus y que Poliziano describe en una poesía:
Por los céfiros lascivos empujada / veríais la diosa que del mar salía / exprimiendo cabellera remojada / entretanto otra mano el pecho la cubría.
Giostra, 101
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El período cretense o minoico se reveló y estudió a partir de 1900 por el inglés Arthur Evans en la isla de Creta, donde se exhumaron las ruinas de sendos palacios reales de Cnosos, Festos y Hagia-Tríada, los cuales se hallaron sin murallas defensivas, pero formados con piedra escuadrada y conteniendo grandes patios y diferentes salas con pinturas alrededor de éstos, salas-almacenes con enormes tinajas, escaleras monumentales y soberbias plataformas.

Había en cada palacio un vestíbulo y una gran sala para recepciones o asambleas que los griegos llamaban mégaron. Las columnas figuraban en el vestíbulo y sala principal como soportes secundarios, siendo los primarios gruesos muros y en todo caso consistieron en soportes cuadrados o en columnas de madera las cuales disminuían de diámetro en la parte inferior y se coronaban con un capitel anular sencillo.

Entre todos ellos, es célebre el edificio de Cnosos, llamado antes el Laberinto (como si allí hubiese estado el fabuloso laberinto de Creta) y luego conocido como el Palacio del Hacha puesto que se observa por todas sus partes en relieve o en bulto, esculpida una doble hacha a la cual muy probablemente se le daba culto.

Todas estas obras, junto con los primeros teatros (semejantes a los posteriores de diseño griego) que además allí se descubrieron pertenecen a los tiempos de mayor apogeo de la civilización minoica, hacia el siglo XVII a. C. y fueron destruidas por una invasión de aqueos o de micénicos hacia el año 1400 a. C.

Venus de Urbino, además llamada La Venus del perrito, es una célebre pintura al óleo sobre lienzo cuyas dimensiones son de 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por el Tiziano.
En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis, desde 1736 se encuentra en la Galleria degli Uffizi (Florencia).

La pintura, cuyo comitente fue Guidobaldo II della Rovere así pues hijo del duque de Urbino, representa a una joven desnuda semidistendida sobre un lujoso lecho en el interior de un cassone o palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de tal ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un arcón, tal arcón parece evocar al mito de la caja de Pandora.

Entretanto que a los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la presencia de tal perro es signo de que la representada no es una diosa, más bien una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más, el perro típica alegoría de la fidelidad aquí aparece, sugerentemente, dormido.
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Otra planta de la misma época se ve en Khajuraho (templos de Visvanatha, de Laksmana, etc.): sobre una terraza rectangular común están dispuestos al tresbolillo (pancayatana) el santuario en el centro y cuatro capillas en los ángulos. Dicho tipo traduce arquitectónicamente el tema tradicional de la residencia divina: el monte Meru, eje del Mundo, dotado de cinco cimas; tema que fue transmitido a los países del Sureste asiático donde dio lugar a grandiosas construcciones, entre las cuales la más notable es sin duda el templo de Angkor Vat, en el país Khmer (Camboya, primera mitad del siglo XII). SEGUIR LEYENDO ….